Christiane Pooley
The Need for Roots
Date
April 15 - May 15, 2021
Location
Kristin Hjellegjerde Gallery, London (Wandsworth)
April 15 - May 15, 2021
Location
Kristin Hjellegjerde Gallery, London (Wandsworth)
‘To be rooted is perhaps the most important and least recognised need of the human soul’ -
L'Enracinement, Simone Weil
Expansive, blue-tinted landscapes appear profoundly empty or otherwise, occupied by faceless figures and fractured images that slide across the canvas, their colours and edges fading into one another. These are the paintings of Christiane Pooley whose practice explores place as both a physical environment and an emotional state that transcends time and geographical boundaries. For her first solo exhibition at Kristin Hjellegjerde Gallery, the Chilean artist presents a breathtaking new body of work, entitled The Need for Roots, that quietly contemplates the complexities of origin and belonging.
The exhibition borrows its title from French philosopher Simone Weil's book of the same name in which she states, ‘A human being has roots by virtue of his real, active and natural participation in the life of a community which preserves in living shape certain particular treasures of the past and certain particular expectations for the future.’ This definition resonates with Pooley on a personal level as she was born and grew up in Araucanía, a region in southern Chile that was incorporated into the national territory by means of military occupation and colonisation in the late 19th century. Since then, there has been a continuing conflict between the original inhabitants (who were forcibly assimilated to a newly-built Chilean identity) and the settlers, provoking complex discourse around identity, land ownership and belonging. Whilst the artist is now based in Paris, the conflict has had direct and devastating repercussions on herself and her family. As Chileans that settled in the region (Pooley is 5th generation), their right to live in or identify with the area is now being challenged by certain communities on the grounds of ownership, which are historically founded, but ignore the deeply-embedded emotional connections to place and the nuances of how identity is formed over time. The situation is further exacerbated by governmental indifference, resulting in a stalemate. ‘The conflict is affecting people who did not cause the problem, but are also unable to solve it,’ says Pooley.
L'Enracinement, Simone Weil
Expansive, blue-tinted landscapes appear profoundly empty or otherwise, occupied by faceless figures and fractured images that slide across the canvas, their colours and edges fading into one another. These are the paintings of Christiane Pooley whose practice explores place as both a physical environment and an emotional state that transcends time and geographical boundaries. For her first solo exhibition at Kristin Hjellegjerde Gallery, the Chilean artist presents a breathtaking new body of work, entitled The Need for Roots, that quietly contemplates the complexities of origin and belonging.
The exhibition borrows its title from French philosopher Simone Weil's book of the same name in which she states, ‘A human being has roots by virtue of his real, active and natural participation in the life of a community which preserves in living shape certain particular treasures of the past and certain particular expectations for the future.’ This definition resonates with Pooley on a personal level as she was born and grew up in Araucanía, a region in southern Chile that was incorporated into the national territory by means of military occupation and colonisation in the late 19th century. Since then, there has been a continuing conflict between the original inhabitants (who were forcibly assimilated to a newly-built Chilean identity) and the settlers, provoking complex discourse around identity, land ownership and belonging. Whilst the artist is now based in Paris, the conflict has had direct and devastating repercussions on herself and her family. As Chileans that settled in the region (Pooley is 5th generation), their right to live in or identify with the area is now being challenged by certain communities on the grounds of ownership, which are historically founded, but ignore the deeply-embedded emotional connections to place and the nuances of how identity is formed over time. The situation is further exacerbated by governmental indifference, resulting in a stalemate. ‘The conflict is affecting people who did not cause the problem, but are also unable to solve it,’ says Pooley.
This is inevitably a difficult discourse to enter into, but Pooley’s work is non-confrontational; she chooses an intimate lens, mixing memories with archival images to create poetic, liminal spaces and scenes that teeter on the edge of reality and dream. ‘I’m interested in how some memories rise up to the surface in the present and other events from the past are erased, and how history repeats itself from different perspectives. It’s like the act of painting, you build layers on the surface, and in the process parts are erased or covered,’ she says. ‘Painting recalls the passing of time.’ The layers on Pooley’s canvas are visible through broad, smooth, sweeping brush strokes and areas of translucency that simultaneously conceal and reveal the images ‘hidden’ beneath.
In this latest series of paintings, water is a recurring element - literally in depictions of lakes and waterfalls, but also, as a felt presence through the use of different shades of blue - as is sunlight, which adds a certain tenderness to the scenes, but these are by no means works of romanticism or nostalgia. There’s a profound sense of stillness that suggests a more complex balance of longing and detachment, and at times, the brush strokes enact a form of erasure that hints at violence. One of the most arresting paintings, for example, depicts a little girl in a blue dress whose head has been wiped away by dark paint while the surrounding landscape is blurred at the edges, seemingly under threat of disappearing entirely. Other works appear more concrete on a first glance, but an underlying tension continues to destabilise and complicate the image. This is perhaps most strongly felt in the variations of a painting of a road, delineated by a bright, straight yellow line that directs the gaze towards a lake and mountains in the distance. Each variation prioritises different details almost as if we are viewing the same setting at different times of the day, and yet, as the perspective changes, we become unsure which version to believe, or whether there even is an objective truth. In the repetition of this image and others, there is something almost painful, akin to the repetition of trauma, that coexists with a haunting kind of beauty.
In the act of image making or representation, the artist inevitably attempts a process of clarification or permanence, but at the same time, her approach is tentative and doubtful. As images appear, and are wiped away, we are left with exquisite sediments, the nuances and ephemerality of human experience.
In this latest series of paintings, water is a recurring element - literally in depictions of lakes and waterfalls, but also, as a felt presence through the use of different shades of blue - as is sunlight, which adds a certain tenderness to the scenes, but these are by no means works of romanticism or nostalgia. There’s a profound sense of stillness that suggests a more complex balance of longing and detachment, and at times, the brush strokes enact a form of erasure that hints at violence. One of the most arresting paintings, for example, depicts a little girl in a blue dress whose head has been wiped away by dark paint while the surrounding landscape is blurred at the edges, seemingly under threat of disappearing entirely. Other works appear more concrete on a first glance, but an underlying tension continues to destabilise and complicate the image. This is perhaps most strongly felt in the variations of a painting of a road, delineated by a bright, straight yellow line that directs the gaze towards a lake and mountains in the distance. Each variation prioritises different details almost as if we are viewing the same setting at different times of the day, and yet, as the perspective changes, we become unsure which version to believe, or whether there even is an objective truth. In the repetition of this image and others, there is something almost painful, akin to the repetition of trauma, that coexists with a haunting kind of beauty.
In the act of image making or representation, the artist inevitably attempts a process of clarification or permanence, but at the same time, her approach is tentative and doubtful. As images appear, and are wiped away, we are left with exquisite sediments, the nuances and ephemerality of human experience.
Millie Walton
“Echar raíces es quizás la más importante
e ignorada necesidad del alma humana”
L’Enracinement, Simone Weil
Extensos paisajes de tintes azulados se muestran profundamente vacíos o, de otro modo, ocupados por figuras sin rostro e imágenes fracturadas que se deslizan a través del lienzo, con sus colores y bordes deshaciéndose entre sí. Estas son las pinturas de Christiane Pooley, cuyo trabajo explora el lugar tanto como entorno físico como estado emocional que trasciende el tiempo y los límites geográficos. Para su primera exhibición individual en la Galería Kristin Hjellegjerde, la artista chilena presenta un sobrecogedor nuevo cuerpo de obra, titulado The need for roots, que contempla delicadamente las complejidades del origen y la pertenencia.
La exhibición debe su nombre al libro del mismo título de la filósofa francesa Simone Weil, en el que afirma: “Un ser humano tiene una raíz por su participación real, activa y natural, en la existencia de una colectividad que conserva vivos ciertos tesoros del pasado y ciertos presentimientos para el futuro”. Esta definición hace eco en Pooley en un nivel personal, ya que nació y creció en la Araucanía, una región al sur de Chile que fue incorporada al territorio nacional por medio de una ocupación militar y su posterior colonización a finales del siglo XIX. Desde entonces, ha existido un conflicto continuo entre los habitantes originarios (quienes fueron forzosamente incorporados a una identidad chilena recientemente construida) y los nuevos pobladores, lo que ha provocado complejos discursos en torno a la identidad, la propiedad de la tierra, y la pertenencia.
Si bien la artista reside actualmente en París, el conflicto ha tenido repercusiones devastadoras en ella y su familia. Como chilenos que se establecieron en la región (Pooley es la quinta generación), su derecho a vivir o identificarse con el lugar está siendo cuestionado por ciertas comunidades por motivos de derecho a propiedad, los cuales, aunque fundamentados históricamente, ignoran las conexiones emocionales profundamente arraigadas al lugar, y los matices de cómo la identidad es formada a través del tiempo. La situación es agravada aún más por la indiferencia gubernamental, resultando en un punto muerto. “El conflicto está afectando a personas que no causaron el problema, pero que además no pueden resolverlo”, afirma Pooley.
e ignorada necesidad del alma humana”
L’Enracinement, Simone Weil
Extensos paisajes de tintes azulados se muestran profundamente vacíos o, de otro modo, ocupados por figuras sin rostro e imágenes fracturadas que se deslizan a través del lienzo, con sus colores y bordes deshaciéndose entre sí. Estas son las pinturas de Christiane Pooley, cuyo trabajo explora el lugar tanto como entorno físico como estado emocional que trasciende el tiempo y los límites geográficos. Para su primera exhibición individual en la Galería Kristin Hjellegjerde, la artista chilena presenta un sobrecogedor nuevo cuerpo de obra, titulado The need for roots, que contempla delicadamente las complejidades del origen y la pertenencia.
La exhibición debe su nombre al libro del mismo título de la filósofa francesa Simone Weil, en el que afirma: “Un ser humano tiene una raíz por su participación real, activa y natural, en la existencia de una colectividad que conserva vivos ciertos tesoros del pasado y ciertos presentimientos para el futuro”. Esta definición hace eco en Pooley en un nivel personal, ya que nació y creció en la Araucanía, una región al sur de Chile que fue incorporada al territorio nacional por medio de una ocupación militar y su posterior colonización a finales del siglo XIX. Desde entonces, ha existido un conflicto continuo entre los habitantes originarios (quienes fueron forzosamente incorporados a una identidad chilena recientemente construida) y los nuevos pobladores, lo que ha provocado complejos discursos en torno a la identidad, la propiedad de la tierra, y la pertenencia.
Si bien la artista reside actualmente en París, el conflicto ha tenido repercusiones devastadoras en ella y su familia. Como chilenos que se establecieron en la región (Pooley es la quinta generación), su derecho a vivir o identificarse con el lugar está siendo cuestionado por ciertas comunidades por motivos de derecho a propiedad, los cuales, aunque fundamentados históricamente, ignoran las conexiones emocionales profundamente arraigadas al lugar, y los matices de cómo la identidad es formada a través del tiempo. La situación es agravada aún más por la indiferencia gubernamental, resultando en un punto muerto. “El conflicto está afectando a personas que no causaron el problema, pero que además no pueden resolverlo”, afirma Pooley.
Esta es inevitablemente una discusión difícil de abordar, pero el trabajo de Pooley no es confrontativo al respecto; ella escoge un lente íntimo, mezclando memorias con imágenes de archivo para crear espacios y escenas poéticas y liminales, que se tambalean en los bordes entre sueño y realidad. “Estoy interesada en cómo algunas memorias emergen a la superficie en el presente y otros eventos del pasado son borrados, y como la historia se repite desde diferentes perspectivas. Es como el acto de pintar: uno superpone capas en la superficie, y en el proceso partes son borradas o cubiertas”, afirma. “Pintar rememora el paso del tiempo”. Las capas en el lienzo de Pooley son visibles a través de pinceladas amplias, suaves y expansivas, y áreas traslúcidas que ocultan y revelan las imágenes “escondidas” debajo.
En esta última serie de pinturas, el agua es un elemento recurrente —literalmente en la representación de lagos y cascadas, pero también, como una presencia que se manifiesta por medio del uso de diferentes tonos de azul— así como el sol, el que agrega cierta sensibilidad a las escenas, pero estas no son de ninguna manera obras románticas o nostálgicas. Hay una profunda sensación de quietud, que sugiere un complejo equilibrio entre nostalgia y desapego y, a momentos, las pinceladas actúan como una forma de borradura que insinúa una forma de violencia. Una de las pinturas más notables, por ejemplo, representa a una niña con vestido azul cuya cabeza ha sido borrada con pintura oscura, mientras que el paisaje circundante está borroso en los bordes, como bajo amenaza de desaparecer por completo. Otras obras parecen más concretas a primera vista, pero una tensión subyacente continúa desestabilizando y complicando la imagen. Esto quizás se manifiesta más intensamente en la serie de pinturas de una carretera, trazada por una línea amarilla, recta y brillante que dirige la mirada hacia las montañas y el lago a la distancia. Cada variación prioriza diferentes detalles, casi como si estuviéramos viendo el mismo escenario a diferentes horas del día, y aún así, la perspectiva cambia, dudamos a qué imagen creerle, o si hay siquiera una verdad objetiva. En la repetición de esta imagen y otras, hay algo casi doloroso, como la repetición de un trauma, que coexiste con una belleza estremecedora.
En el acto de la creación de una imagen o representación, la artista inevitablemente intenta un proceso de aclaración o permanencia, pero al mismo tiempo, su aproximación es tentativa y dubitativa. A medida que las imágenes aparecen y son borradas, nos quedamos con exquisitos sedimentos, los matices y la fugacidad de la experiencia humana.
En esta última serie de pinturas, el agua es un elemento recurrente —literalmente en la representación de lagos y cascadas, pero también, como una presencia que se manifiesta por medio del uso de diferentes tonos de azul— así como el sol, el que agrega cierta sensibilidad a las escenas, pero estas no son de ninguna manera obras románticas o nostálgicas. Hay una profunda sensación de quietud, que sugiere un complejo equilibrio entre nostalgia y desapego y, a momentos, las pinceladas actúan como una forma de borradura que insinúa una forma de violencia. Una de las pinturas más notables, por ejemplo, representa a una niña con vestido azul cuya cabeza ha sido borrada con pintura oscura, mientras que el paisaje circundante está borroso en los bordes, como bajo amenaza de desaparecer por completo. Otras obras parecen más concretas a primera vista, pero una tensión subyacente continúa desestabilizando y complicando la imagen. Esto quizás se manifiesta más intensamente en la serie de pinturas de una carretera, trazada por una línea amarilla, recta y brillante que dirige la mirada hacia las montañas y el lago a la distancia. Cada variación prioriza diferentes detalles, casi como si estuviéramos viendo el mismo escenario a diferentes horas del día, y aún así, la perspectiva cambia, dudamos a qué imagen creerle, o si hay siquiera una verdad objetiva. En la repetición de esta imagen y otras, hay algo casi doloroso, como la repetición de un trauma, que coexiste con una belleza estremecedora.
En el acto de la creación de una imagen o representación, la artista inevitablemente intenta un proceso de aclaración o permanencia, pero al mismo tiempo, su aproximación es tentativa y dubitativa. A medida que las imágenes aparecen y son borradas, nos quedamos con exquisitos sedimentos, los matices y la fugacidad de la experiencia humana.
Millie Walton